Keith Moon Biopic To Begin Filming in June

Moon the Loon is finally getting his big-screen debut 44-years after his death from an accidental overdose.

The long-rumored-and-awaited Keith Moon biopic is set to begin shooting in Britain this June and will be directed by Paul Whittington (Hero, The Crown) and written by Oscar-nominated screenwriter Jeff Pope (Philomena), according to a report in Variety.

The news does not yet appear on The Who’s official website, but published reports say singer Roger Daltry and singer/guitarist Pete Townsend will be executive producers of the film, which will borrow its title from the Quadrophenia song “The Real Me.”

If the movie stays true to the legends of Moon the Loon, legendary for his pranks and his ability to seemingly out-drink and out-party all of his rock star peers, it should be one crazy, entertaining ride.

Some of those stories include Moon, in the early touring days of The Who, traversing the world with a plethora of explosives (he reportedly loved cherry bombs), chopping an innocent Saskatchewan hotel room to pieces with an ax, flooding another hotel when he broke a water bed while attempting to move it to the lobby (for whatever reason), and driving a Rolls Royce into a swimming pool in 1967.

And, of course, there was the infamous 1973 incident where he passed out at the drum kit during a San Francisco concert at The Cow Palace after washing down horse tranquilizers with booze. This resulted in Pete Townsend asking if anyone in the audience knew how to play the drums, and his call was answered by Who fan Thomas Scot Halpin, who experienced a dream come true when he took over for Moon for the entirety of that night’s show.

No word yet on who might play Moon, and whether or not that person will be required to have any experience at playing the drums – mimicking the well-known manic drumming style of Keith Moon — he attacked a kit more than he played it — certainly would be an exhausting endeavor for whoever is tasked with the role.

On a side note, the Cambridge Dictionary offers an explanation of whether or not biopic is pronounced BIO-pick or bi-OP-ic. Turns out (and this is the way many Generation Xers remember it) it’s commonly pronounced bi-OP-ic in the USA, but BIO-pick in the U.K.

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"Annette" im Kino: Ein Gedicht

Wer will schon perfekte Filme? Was wir brauchen, sind bewohnbare Träume. Zum Beispiel das verstörende Kinomusical "Annette" mit Adam Driver und Marion Cotillard.

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David Finchers "Voir" auf Netflix: Kampf der Dosenkost

Eine kleine Schule des Sehens: David Finchers Essay-Serie "Voir: Die Filmkunst der Moderne" auf Netflix spürt dem Zauber des Kinos nach.

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"House of Gucci" im Kino: Verkorkste Show

Ridley Scotts Film über die Gucci-Familie schien eigentlich geritzt: Hammer-Stoff, Meisterregisseur, US-Superstars, göttlicher Luxus in Italien. Da kann doch gar nichts mehr schief gehen, oder? Tja.

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"The Hand of God" im Kino und auf Netflix: Es war einmal in Neapel

Der Oscarpreisträger Paolo Sorrentino erzählt in "The Hand of God" vom wilden, bunten Italien seiner Kindheit und Jugend.

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"Ghostbusters Legacy" im Kino: Geist der Familie

Regisseur Jason Reitman war schon als Kind bei den Dreharbeiten zu "Ghostbusters" dabei. Jetzt hat er eine sehr liebenswerte Fortsetzung gedreht.

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„The Outsiders“ in restaurierter 4K-Fassung: Limitierte Collector’s Edition gewinnen

Anfang der 80er-Jahre wurde Francis Ford Coppola ein neues Projekt ans Herz gelegt: Über 300 Schüler hatten eine Petition unterzeichnet, die sich von ihm eine Verfilmung des Jugendromans „The Outsiders“ von S.E. Hinton wünschten. Sie legten damit den Grundstein für eines der großen US-amerikanischen Coming-of-Age-Dramen. Dieses wurde nun nochmals aufwendig in 4K restauriert.

Schon 2005 legte Coppola Hand an den Film und veröffentlichte den 22 Minuten längeren Director’s Cut „The Complete Novel“, mit neuer Musik und einigen unveröffentlichten Szenen, um den Fans mehr von der Handlung der berühmten Buchvorlage zu erzählen. In Deutschland erscheinen beide Filmfassungen ab dem 11. November 2021 in der umfassenden 4K UHD & Blu-ray Limited Collector‘s Edition mit Digipak.

Wir verlosen eine limitierte Collector’s Edition

Die limitierte Collector’s Edition umfasst neben den restaurierten Fassungen von „The Outsiders“ und „The Outsiders: The Complete Novel“ noch einige Goodies – nämlich ein 64-seitiges Booklet, fünf Postkarten, und zwei Kinoposter.

Hier haben Sie die Chance, eine Limited Collector‘s Edition zu gewinnen: Füllen Sie einfach bis zum 01. Dezember 2021 das untenstehende Formular aus und beantworten Sie uns folgende Frage:

Wer hat bei „The Outsiders“ Regie geführt?

• Francis Ford Coppola
• Steven Spielberg
• Patty Jenkins

Mehr zum Film

Tulsa, Oklahoma in den 1960er-Jahren: Ponyboy (C. Thomas Howell) und sein Freund Johnny (Ralph Macchio), beide Mitglieder der Teenager-Gang „Greasers“, flirten mit Cherry Valance (Diane Lane). Ihrem Freund Bob (Leif Garrett), der selbst Teil einer Gang, den „Socs“ ist, gefällt das aber gar nicht. Es kommt zu heftigen Auseinandersetzungen zwischen den aus ärmlichen Verhältnissen kommenden Greasers und den reichen Kids der West Side, den Socs, bei denen Bob versehentlich erstochen wird. Die Jungs sehen sich gezwungen, unterzutauchen, um nicht verhaftet zu werden. Doch schon bald müssen sich Ponyboy und Johnny, zusammen mit Dallas (Matt Dillon) und ihren anderen Greaser-Kumpels der Realität stellen.

Francis Ford Coppolas Kultfilm von 1983 über rivalisierende Jugendgangs basiert auf dem Jugendbuch-Bestseller von S. E. Hinton aus dem Jahr 1967 und gilt als der erste „Brat Pack“-Film, in dem viele damalige Newcomer zu sehen sind, darunter auch C. Thomas Howell (E.T. – Der Außerirdische), Rob Lowe („The West Wing“, „Parks and Recreation“), Tom Cruise („Top Gun“, „Mission Impossible“), Patrick Swayze („Dirty Dancing“), Ralph Macchio („Karate Kid“) und Diane Lane („Untreu“).

Aufwendige Restaurierungsarbeiten

„The Outsiders“ wurde für das Re-Release umfangreich in 4K restauriert. „Wir haben das Originalnegativ, also die Originalfassung von 1983, gescannt und alle Negative ausfindig gemacht, die für die „The Complete Novel“-Fassung (2005) benötigt wurden, einschließlich der verschiedenen Layer für die visuellen Effekte“, so die Verantwortlichen. „Dafür wurden hunderte von Filmrollen gesichtet, aber das war es wert. Niemand hat diesen Film je so schön und makellos gesehen wie jetzt, und Francis war es wichtig, die neue Veröffentlichung so perfekt wie möglich erscheinen zu lassen.“

Umfangreiches Bonusmaterial der Limited Collector’s Edition auf Blu-ray & DVD

• NEU: Über die Restaurierung: Interview mit James Mockoski, Head of Archives and Restorations bei American Zoetrope und Colourist Gregg Garvin (auch DVD)
• NEU: Interview mit Kameramann Stephen Burum (auch DVD)
• NEU: Geschnittene Szenen (auch DVD)
• NEU: Einführung von Francis Ford Coppola (auch DVD)
• NEU: “Outsider Looking In” – neues Interview mit Francis Ford Coppola über Schlüsselszenen eines Kultfilms (auch DVD)
• NEU: Featurette “Old House New Home” – Ein Museum für die “Outsiders” (auch DVD)
• NEUER Trailer (auch DVD)
• Audiokommentar von Francis Ford Coppola
• Audiokommentar von Matt Dillon, C. Thomas Howell, Diane Lane, Rob Lowe, Ralph Macchio und Patrick Swayze

Zusätzliches Bonusmaterial der Limited Collector’s Edition auf Blu-ray

• Featurette “Stay Gold”: Ein Blick zurück auf THE OUTSIDERS
• S.E. Hinton am Drehort in Tulsa
• Das Casting der “Outsiders”
• NBC’s News Today von 1983, ‚The Outsiders‘ Started by School Petition
• 7 Teammitglieder (Lowe, Swayze, Howell, Dillon, Macchio, Garret and Lane) lesen Auszüge aus dem Roman
• Geschnittene und erweiterte Szenen
• Kinotrailer von 1983

via Rolling Stone
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"The Velvet Underground" von Todd Haynes auf Apple TV+: Ein Schatz wird gehoben

Todd Haynes hat einen Dokumentarfilm über "The Velvet Underground" gemacht, der das New York der Sixties feiert und den Mangel an Live-Aufnahmen genial überspielt.

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'The French Dispatch' is a love letter to 'The New Yorker' — and to love itself

Wes Anderson's meticulously-constructed tenth feature adopts the format of a New Yorker-like Sunday magazine supplement to tell three very different, but equally idiosyncratic, love stories.

(Image credit: Searchlight Pictures/Twentieth Century Fox)

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"Godzilla vs. Kong": Endlich wieder Gebrüll! Endlich wieder Grunzen! Endlich wieder Kino!

 In "Godzilla vs. Kong" geht es erzählerisch um nichts. Es gibt vielleicht keinen besseren Film, um sich an die Kraft des Kinos zu erinnern und um sie zu genießen.

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2,5 Stunden Effektpedalgeschichte

Nimm dir ein Getränk, ein paar Snacks und etwas Zeit – oder noch besser: Plane deinen nächsten Abend mit dem „Pedal Movie“! Fast 2,5h Effektpedalgeschichte. A

The Pedal Movie

Du hast sicherlich schon darauf gewartet: Der Film ist endlich fertig und kann on demand via iTunes, Google Play oder Vudu gemietet oder gekauft werden. Fast 2,5 Stunden Effektpedale, deren Geschichte, Interviews, Künstlermeinungen, Herstellern. Mit dabei sind viele, viele Firmen, die du vielleicht auch auf dein Board geschnallt hast. Eine Auswahl: Strymon, Wampler, JHS, Way Huge, EHX, Boss, MXR, Z.Vex oder Künstler wie Billy Corgan, J Mascis, Peter Frampton und Steve Vai sind dabei. Die komplette Liste und den Film gibt es hier.

Also: Getränke und Schnellspeisen der eigenen Wahl bereitgestellt, Glotze an. 3,99 Euro für die Miete oder 8,99 Euro für den Kauf in den Geldschlitz am Farbfernempfänger eingeworfen und los geht’s!

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In A Long-Awaited Matchup, Godzilla And Kong Stomp Where Marvel Fears To Tread

After a year spent battling a tiny virus you can't see, audiences may well appreciate a title bout featuring antagonists of a certain size — as Godzilla and Kong finally get their playdate.

(Image credit: Warner Bros. Pictures)

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"The Midnight Sky" auf Netflix: Einer ist zurückgeblieben

In George Clooneys neuem Film "The Midnight Sky" ist die Menschheit fast am Ende - aber ein Forscher bahnt dem Leben einen Weg.

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New Documentary 'Billie' Explores Mysteries Of Billie Holiday And Her Biographer

The film continues writer Linda Kuehl's unfinished investigation into Holiday's life through never-before-heard interviews with jazz luminaries, and explores her experiences with institutional racism.

(Image credit: Michael Ochs Archives/Getty Images)

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Brian Eno Documentary (1973)

Eno is a 1973 documentary that profiles Brian Eno in an interesting period of his career – before he released his most important albums, before defining what we know as ‘ambient music’ and before his high-profile production of classic albums by David Bowie, Talking Heads, Devo, U2 and others.

The documentary captures Eno in his transition from being the flamboyant synth guy of Roxy Music to his early solo career.  At the time, he was recording his album Here Come The Warm Jets – and he was in the middle of developing his unique approach to synthesis and music.

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"Wonder Woman 1984": Auslaufmodell

"Wonder Woman 1984" startet Weihnachten gleichzeitig als Stream und im Kino. Ein Corona-Präzedenzfall. Und eine Zeitenwende?

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Kino-Komödie „The King of Staten Island“: Befreiung braucht ihre Zeit

In Judd Apatows Komödie „The King of Staten Island“ spielt Pete Davidson einen Loser, der Trauer mit Sarkasmus überdeckt – etwas zu vorhersehbar.

„Ignorant Tattoos“ nennt man Tätowierungen, die weder aus polynesischen Kulturen plagiierte, abstrakte Linien noch verwegene Old-School-Seemannsmotive oder Arschgeweihe darstellen. Stattdessen sehen sie aus, als habe sie ein des Zeichnens unbegabter Mensch geistesabwesend beim Telefonieren mit dem Kuli auf einen Block gekritzelt. Und das ist gewollt: Es muss nicht alles perfekt sein, ist die Aussage, und dass der oder die Trä­ge­r*in jegliche Konventionen, erst recht solche zu Tätowierungen, schlichtweg ignoriert.

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HBO Westworld 3: deutsche Synchro-Staffel in Corona Pause

"Die Coronapandemie wirkt sich Stück für Stück auf verschiedene Bereiche der Film- und Fernsehindustrie aus und damit auch auf die deutsche Synchronbranche. Seit rund einem Monat ist die Atelierarbeit deutscher Synchronstudios auf Geheiß des deutschen Synchronverbandes lahm gelegt, ob diese Ruhephase über den 19. April hinaus ausgedehnt wird, ist noch unklar, aber auch nicht auszuschließen. Und nachdem wir euch berichten konnten, dass verschiedene Serien wie The Walking Dead und Star Wars: The Clone Wars vorerst ohne deutsche Synchronfassung auskommen müssen, erwischt es nun mit Westworld eine weiteren großen Namen. Seit dem 30. März läuft die dritte Staffel der Mystery-Sci-Fi Serie exklusiv bei Sky. Die bis dahin ausgestrahlten drei Episoden wurden wohl bereits vor dem Produktionsstopp synchronisiert, nun muss man aber auch hier angesichts der Krise die nötigen Konsequenzen ziehen."
(Quelle: moviebreak.de)

Weiter gehts voraussichtlich Mitte Juni. In welcher Frequenz die einzelenen Episoden dann nachgereicht werden ist dabei offen. Mit dem Staffelpass bei iTunes kann man nur warten. Dass es die schon untertitelten englichen Episoden schon vorab dazugäbe, wäre schön, ist aber (noch) nicht vorgesehen.

"Never Rarely Sometimes Always": Ein Alltagsdrama, das ins Herz trifft

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Inhalt

1. Seite 1 —Ein Alltagsdrama, das ins Herz trifft
   
2. Seite 2 —Abtreibung polarisiert die Menschen in den USA

Wie einfach es doch aussehen kann, einen großen Film zu machen. Eine 17-Jährige irgendwo in Pennsylvania wird schwanger und will abtreiben. Da das in ihrem Bundesstaat nur mit Zustimmung der Eltern möglich ist und eine solche Diskussion ganz sicher unmöglich ist, bricht Autumn (Sidney Flanigan) nach New York auf. Dort gibt es Kliniken, die den Eingriff nur auf Wunsch der Schwangeren durchführen. Wenigstens ihre Cousine Skylar (Talia Ryder) steht Autumn auf dieser Reise zur Seite.
Die US-amerikanische Filmemacherin Eliza Hittman erzählt in Never Rarely Sometimes Always eigentlich eine schlichte Geschichte. Es passiert auch im Laufe der knapp zwei Tage in New York nichts Skurriles oder Außergewöhnliches. Weder erzählerisch noch cinematografisch. "Ein Alltagsdrama" nennt Hittman ihren Film. Es trifft mitten ins Herz.
Da ist zunächst das Thema. Die Idee dazu kam Hittman 2012. Damals las sie von Savita Halappanavar, der in Irland nach einer unvollständigen Fehlgeburt eine Abtreibung verweigert wurde und die daraufhin an einer Blutvergiftung starb. In Irland, erfuhr Hittman, reisten Frauen, die abtreiben wollten, für einen Tag nach London. Die Filmemacherin fragte sich, wie eine solche Reise wohl aussähe, und recherchierte, dass in ihrer Heimat, den USA, jede fünfte Frau mehr als 50 Meilen fahren muss, um einen solchen Eingriff vornehmen zu lassen. In ländlichen Gegenden ist es sogar mehr als die Hälfte aller ungewollt Schwangeren. Autumn ist eine von ihnen.
Die Hauptdarstellerin Sidney Flanigan war eigentlich gar keine Schauspielerin, sondern lebte bis zu den Dreharbeiten als Musikerin in Buffalo. Never Rarely Sometimes Always ist ihr erster Film. Mit ihrem klaren verschlossenen Gesicht erinnert sie ein wenig an die junge Saoirse Ronan. In manchen Einstellungen sieht sie – blass, dunkelhaarig, in sich gekehrt – wie eine mittelalterliche Madonna aus. Etwas Unberührbares umgibt sie.
Umso intensiver gerät die zentrale Szene. Da hat Autumn es endlich in die Abtreibungsklinik geschafft. Eine Sozialarbeiterin geht zur Vorbereitung des Eingriffs mit ihr einen Fragebogen durch: "Ich sehe hier, dass Sie von weit her kommen. Wissen Sie, wo Sie heute Nacht schlafen können?" – "Haben Sie jemanden, der bei Ihnen ist?" Hittman lässt die Fragen von einer echten Sozialarbeiterin stellen. Ihre Stimme in dem winzigen sterilen Raum ist warm und leise. Sie gibt Autumn immer ein paar Augenblicke Zeit, um zu antworten – oder einer ihrer knappen Antworten womöglich doch noch etwas hinzuzufügen.
"Wann hatten Sie das erste Mal Sex?" – "Wie viele Partner hatten Sie im vergangenen Jahr?" Es sind sehr intime Fragen, die Autumn beantwortet. Und während die Kamera zunächst noch mit Schnitt und Gegenschnitt arbeitet, fokussiert sie sich im Laufe der Szene immer stärker auf Autumn. Ihr Gesicht füllt minutenlang die Leinwand in Nahaufnahme. "War Ihr Partner Ihnen gegenüber schon einmal gewalttätig?" – "Wurden Sie jemals zum Sex gezwungen?" Autumn beantwortet auch diese Fragen mit einer der vorgeschlagenen Antworten: "niemals", "selten", "manchmal", "immer".
Die titelgebende Szene ist das Herzstück des Films, und was Flanigan darin leistet, ist einzigartig. Ihr ruhiges Gesicht scheint sich langsam aufzulösen, ihr Kopf sinkt ein wenig zur Seite, sie senkt die Augen und irgendwann wischt sie sich die Tränen ab. Nur hinzufügen wird sie nichts mehr. So wenig wie Autumn in dieser Szene verrät uns Hittman in ihrem gesamten Film etwas von den Geschichten, die hinter diesen Antworten stehen. Die werden sich erst in den Stunden und Tagen danach im Kopf der Zuschauerin entfalten.

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"Star Trek: Picard": Ach ja, Zukunftsglaube, schön war's

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Inhalt

1. Seite 1 —Ach ja, Zukunftsglaube, schön war's
   
2. Seite 2 —Allein Stewarts Spiel lohnt das Anschauen

Die Freuden des Winzerwesens und des Rotweingenusses haben in den 54 Jahren der bisherigen Star-Trek-Geschichte eine untergeordnete Rolle gespielt; jedenfalls dies ändert sich deutlich in der neuen Serie Star Trek: Picard, die von Freitag an auch in Deutschland zu sehen ist. Der titelgebende Ex-Admiral Jean-Luc Picard – gespielt von Patrick Stewart – hat sich nach seiner Demission aus der Sternenflotte auf das Weingut seiner Familie in der Bourgogne zurückgezogen. Aufmerksame Betrachter erinnern sich eventuell noch daran, dass er diesem schon einmal einen Besuch abgestattet hat: in der vierten Staffel der Serie Star Trek: The Next Generation, in der Picard von 1987 bis 1994 die Hauptrolle gab. Es folgten vier Kinofilme, in denen er eine Rolle spielte. Zum bislang letzten Mal ist er in dem Film Star Trek: Nemesis zu sehen gewesen, 2003, vor nun auch schon wieder siebzehn Jahren.
Die Zeit seither hat der Sternenflottenkapitän im Ruhestand zugebracht. Er hat knospende Triebe gepflegt und Trauben beim Reifen betrachtet, er hat abends auf der Terrakottaterrasse seines Anwesens gesessen und über sein Leben nachgedacht: über die Schuld, die er auf sich geladen hat; über seine gescheiterten Versuche, Frieden, Gerechtigkeit und Völkerverständigung im Alpha-Quadranten der Galaxie herzustellen; und über die gewandelten Zeitläufte, die es einem ehrlichen Raumschiffkapitän wie ihm immer schwerer machen, noch an die Moral und die Ideale der Menschlichkeit zu glauben.

Viel Grübeln und Hadern

Es liegt ein elegischer Ton über dieser neuen, nunmehr siebten Star-Trek-Serie, jedenfalls in den ersten drei Folgen, die es vorab zu sehen gab. Es wird viel gegrübelt und mit sich gehadert. Picard handelt fast durchweg von Menschen und anderen Wesen, die sich fremd in der Welt fühlen, in die sie geworfen wurden; die ihren Platz darin suchen und nach einer individuellen Identität.
Damit schließt die Geschichte an die klassischen Picard-Abenteuer aus den sieben Staffeln von Next Generation an und generell an die skeptische Science-Fiction der Achtziger- und Neunzigerjahre. Diese war ja durchweg von schwachen, selbstzweifelnden Weltraumfahrern beherrscht und von den Themen der Nicht-Identität und der Ich-Dekonstruktion – nicht nur bei Star Trek und nicht nur im Fernsehen (man denke etwa an die SF-Romane von Octavia Butler), aber dort in besonderem Maße. Man sehe sich noch einmal eine jener alten Next-Generation-Episoden an: mit diesen endlosen Grübeleien Picards über Pflicht und Verantwortung, Freud und Leid seiner persönlichen Führerrolle; mit dem dauerhaft an sich selbst leidenden Androiden Data, der trotz menschenähnlichem Design doch niemals ein echter Mensch werden kann; mit der weidlich ausgereizten Skurrilität des Kollektiv-Aliens Borg, das "mit sich identisch" nur in der Nichtidentität einer Vielheit miteinander verflochtener Wesen sein kann.
Das ist alles lange her. Fragen wie diese – nach Moral, Verantwortung und Identität – waren aus den Star-Trek-Serien der Nuller- und Zehnerjahre weitgehend verschwunden. In den vier Staffeln von Star Trek: Enterprise (2001 bis 2005) konnte man, passend zum Geist der sich wieder militarisierenden Post-9/11-Welt, markige männliche Helden bei der Eroberung des Weltalls betrachten und beim von keinerlei Selbstzweifeln getrübten Kampf gegen alles Nicht-Menschliche. Die bislang letzte Serie Star Trek: Discovery (zwei Staffeln seit 2017, eine dritte ist angekündigt) spielte in der Zeit eines Kalten Kriegs  gegen die hier noch als Erzfeinde der Menschheit auftretenden Klingonen. Immerhin bemühten sich die Drehbuchautoren darum, das manichäische Schema Gut gegen Böse durch psychologische Differenzierung aufzubrechen.
Star Trek: Picard wirkt von all diesen Entwicklungen völlig unbehelligt und schließt vielmehr nahtlos an die pazifistische Stimmung der Originalserie an. Das ist eine dramaturgisch interessante Bewegung, aber man bemerkt beim Betrachten vor allem auch, wie weit entfernt unsere Gegenwart inzwischen von jener Zeit ist, die in Next Generation einst ein so gutes Spiegelbild fand; von einer Zeit, in der man sich schon einmal am "Ende der Geschichte" angelangt glaubte und in einem Zustand, in dem alle Konflikte durch den Wunsch nach Verständigung beigelegt werden können, durch den zwanglosen Zwang des besseren Arguments und durch größtmögliche Empathie mit dem Fremden und Anderen. Davon kann 2020 keine Rede mehr sein. So gilt die Nostalgie, die Star Trek: Picard verströmt, nicht nur einer alten Science-Fiction-Serie und ihren Helden, sondern auch einer vergangenen Ära der Zuversicht und des Friedens.

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